| Movimiento en cuadrados, Bridget Riley |
Por Ana Regina Castro-Corrales
El término Arte Óptico fue usado por primera vez en el otoño de 1964 por la revista Time para describir un nuevo estilo artístico. El artículo afirmaba: “El hecho de explotar la falabilidad de la visión y jugar com ella forma el nuevo movimiento del arte óptico”.
Más tarde el término pasó a usarse para hacer referencia a toda manifestación artística que usara la ilusión o los efectos ópticos y que produjera un efecto psicofisiológico en el observador.
El observador ve una imagen que se mueve, que modifica la perspectiva o que produce una alteración de la vista. Para conseguir estos efectos, los artistas se servían de fenómenos como la interferencia de líneas, la perspectiva reversible, vibraciones cromáticas y contrastes de color.
La artista inglesa Bridget Riley (1931) usó lineas blancas y negras y patrones geométricos en obras como Current , 1964 para transmitir movimiento. Victor Vasarely (1908-1997) en cambio explotó la ambigüedad de las superficies teseladas de colores para crear la ilusión de que se está viendo formas en tres dimensiones, como por ejemplo en Marsan (1966).
Las raíces del movimiento se remontan a las teorías virtuales planteadas por Kandinsky y otros artistas en los años 20 (Bauhaus, 1919).
Cuando, en 1965, el Museo de Arte Moderna de New York (MOMA) a través de William G. Seitz, organizó la exposición, “The Responsive Eye” o “El Ojo Receptivo”, el movimiento ganó un reconocimiento notable. Las obras estaban basadas en los principios geométricos y la teoría del color.
Expusieron trabajos Riley, Vasarely, Josef Albers, Almir da Silva Mavignier, Richard Anuszkiewicz, Julian Stanczak y Tadasuke Kuwayama, también conocido como Tadaski.
La llegada a Estados Unidos de artistas europeos refugiados, como Albers, demostró ser un factor importante. Albers exploró la idea de que lo que ve el observador está determinado por como procesa el cerebro la información contenida en una imagen. Sus enseñanzas y sus escritos sobre la teoria del color, influenciaron a toda una generación de artistas norteamericanos.
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No obstante el arte óptico se convirtió rápidamente en parte de la cultura consumista. Los diseñadores de modas y los artistas gráficos adoptaron los mecanismos visuales del arte óptico. Muy pronto esas imágenes empezaron a llenar las piezas publicitarias, caratulas de discos musicales y decoraciones de interiores.
Cuando la exposición “El Ojo Receptivo” abrió sus puertas, las boutiques de Manhattan tenían expuestas en sus escaparates prendas cuyos diseños textiles copiaban las pinturas que los artistas exhibían en la exposición.
Riley, cuya obra “Current” fue la portada del catálogo de la muestra, se desilusionó muchísimo con la explotación de su arte para fines comerciales. En Estados Unidos, hasta 1967, las obras de artistas plásticos carecían de la protección de los derechos de autor.
Esta asimilación desacreditó el Arte Óptico, que pasó a verse como un fenómeno efímero, que atraía las masas en lugar de caracterizar verdadero estilo artístico.
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