El 26 de abril de 1937, aviones de la Legión Cóndor alemana y de la Aviación Legionaria italiana bombardearon la localidad vasca de Guernica, durante la Guerra Civil española. El ataque, realizado en apoyo de las fuerzas sublevadas contra la Segunda República, destruyó una parte considerable de la población y provocó numerosas víctimas civiles. Las noticias del bombardeo llegaron rápidamente a la prensa internacional, acompañadas por testimonios sobre los incendios y la devastación. En París, Pablo Picasso conoció aquellos acontecimientos mientras preparaba una obra destinada al pabellón español de la Exposición Internacional de 1937. Pocos días después comenzó a trabajar en una pintura monumental que llevaría el nombre de la ciudad destruida.
Picasso había recibido meses antes el encargo del gobierno republicano español para realizar una obra que representara al país en la exposición parisina. El pabellón, diseñado por los arquitectos Josep Lluís Sert y Luis Lacasa, debía presentar una imagen de la cultura española y denunciar la situación provocada por la guerra. En un principio, el pintor no había definido una composición definitiva para aquel espacio. El bombardeo de Guernica modificó el desarrollo del proyecto y proporcionó el acontecimiento alrededor del cual organizaría su intervención. El 1 de mayo de 1937 realizó los primeros estudios relacionados con la pintura y durante las semanas siguientes desarrolló una extensa serie de dibujos preparatorios.
La obra fue ejecutada en el taller que Picasso ocupaba en el número 7 de la rue des Grands-Augustins, en París. Sobre un lienzo de aproximadamente 3,49 metros de altura y 7,77 metros de anchura, el artista construyó una composición formada por figuras humanas y animales sometidos a una situación de violencia extrema. Una mujer sostiene a su hijo muerto mientras grita, un caballo herido ocupa el centro de la escena y un cuerpo desmembrado aparece tendido en el suelo. A la derecha, otras figuras parecen atrapadas entre el fuego y los edificios que se derrumban. La fotógrafa Dora Maar documentó distintas etapas del proceso de elaboración, dejando un registro excepcional de las transformaciones que experimentó la pintura antes de alcanzar su versión definitiva.
La elección del blanco, el negro y las tonalidades grises constituye una de las características más reconocibles de Guernica. Picasso renunció al color para organizar una superficie dominada por contrastes violentos, fragmentaciones y superposiciones de planos. La ausencia de una perspectiva convencional impide identificar un espacio único y estable: las figuras parecen encontrarse simultáneamente en una habitación, una calle y un escenario abierto. Los cuerpos están representados mediante deformaciones que acentúan la tensión de sus movimientos y expresiones. Esta construcción procede de investigaciones formales desarrolladas por Picasso desde el cubismo, aunque en Guernica esos procedimientos adquieren una función directamente relacionada con la representación del sufrimiento provocado por la guerra.
Entre los elementos más discutidos de la composición se encuentran el toro, el caballo y las fuentes de iluminación. El toro aparece a la izquierda, junto a la mujer que sostiene al niño muerto, mientras el caballo ocupa una posición central y presenta una herida visible en el cuerpo. Sobre ambos se encuentra una lámpara cuya forma recuerda un ojo, acompañada por otra fuente de luz sostenida por una figura femenina. Estos motivos han recibido interpretaciones políticas, religiosas y mitológicas, pero Picasso no estableció un sistema cerrado de equivalencias simbólicas. La presencia de animales, cuerpos fragmentados y objetos cotidianos permite reconocer una escena de destrucción sin convertir cada figura en una representación inequívoca de un personaje histórico o de una fuerza política determinada.
El carácter político de Guernica no depende únicamente de sus símbolos. La pintura fue realizada para el pabellón de un gobierno que se encontraba en guerra contra una insurrección militar y que buscaba apoyo internacional frente al avance de las fuerzas franquistas. En ese contexto, el cuadro formaba parte de una intervención cultural destinada a denunciar la violencia contra la población civil. Sin embargo, Picasso evitó representar directamente a los dirigentes militares, las insignias de los ejércitos o los aviones responsables del ataque. La composición concentra sus elementos en las víctimas y en los efectos de la destrucción. Esa decisión permitió que la obra mantuviera una relación concreta con el bombardeo de 1937 sin limitar su contenido visual a la ilustración de un episodio militar.
La recepción inicial de Guernica estuvo condicionada por las divisiones políticas y artísticas de su tiempo. Algunos observadores cuestionaron la dificultad de comprender una composición que no respondía a los procedimientos habituales del realismo político. Otros reconocieron en ella una de las intervenciones más importantes de la cultura europea contra el fascismo. Después de la Exposición Internacional de París, la pintura fue presentada en distintas ciudades y participó en iniciativas destinadas a reunir apoyo y recursos para los refugiados españoles. En 1939 llegó a Nueva York, donde permaneció bajo la custodia del Museum of Modern Art. Picasso había expresado su voluntad de que regresara a España cuando se restablecieran las libertades públicas, una condición que impidió su traslado durante la dictadura de Francisco Franco.
El 10 de septiembre de 1981, Guernica llegó finalmente a Madrid, procedente de Nueva York. La obra fue instalada inicialmente en el Casón del Buen Retiro, donde permaneció protegida mediante un dispositivo especial de seguridad. En 1992 fue trasladada al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que desde entonces conserva el cuadro junto con numerosos estudios preparatorios y materiales relacionados con su creación. La documentación fotográfica realizada por Dora Maar permite observar cómo Picasso modificó la posición de las figuras, eliminó determinados elementos y reorganizó las relaciones entre los cuerpos durante las semanas de trabajo. El museo conserva también dibujos fechados entre mayo y junio de 1937 que muestran la evolución de la composición desde sus primeras versiones hasta el lienzo definitivo.
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